CASA DE LA CULTURA DE LA CALLE

una organización no gubernamental, creada por iniciativa de Gastón Pauls. “Una noche me encontré con un grupo de cinco chicos que vivían en situación de calle en Plaza Italia.

Me acerqué a uno de ellos, de no más de 11 años y le pregunté que necesitaba, él me contestó: yo necesito un lugar para expresar lo que siento, ese fue el punto de partida de este proyecto.” (Gastón Pauls). La Casa de la Cultura de la Calle es una experiencia artístico-cultural para promover la creatividad y el aprendizaje en infancias y adolescencias en situación de desigualdad y exclusión social. Su propósito es favorecer la apropiación de nuevas formas de expresión como herramientas para la construcción y re-construcción de la propia individualidad y del tejido social. Desde la CCC se abre un espacio de contención y confianza para que los chicos exploren, descubran y reconozcan maneras de expresarse a través de un hecho artístico, a través del cual no sólo puedan construir una mirada personal y crítica, sino también expresarse con libertad. Desde el año 2005 se desarrollan talleres y actividades artísticas en las que participan más de 400 chicos y chicas en situación de vulnerabilidad de derechos.

CANCIONES DE CUNA

"Mírame" intérprete: Fito Paez: La letra cuenta acerca de una madre que le canta a su hijo una canción de cuna mientras lo hace dormir,ella le dice que duerma, que ella lo protegerá, que nada malo le pasará, que la mire que el sueño vendrá. Es la mirada el medio en el cual la mamá le transmite a su hijo todo lo que siente en ese momento por él. 

Critica: Me gustó mucho la letra,(ya que es de un niño que escribió lo que hubiese deseado tener y no tuvo) y la interpretación hecha por Fito Paez, es la primera vez que escucho a un hombre interpretando una canción de cuna, aunque ésta hablara de la madre que se la canta a un hijo. 

La verdad nunca me imaginé escuchar a Fito Paez cantando una canción de cuna, pero sin embargo me gusto muchísimo. Con el piano y la letra, se creaba un armonioso clima de sueño.

Mientras la escuchaba, me imaginaba a la madre meciendo a su hijo, mirándolo y transmitiéndole todo lo que dice la letra.

"Tu mundo" :  intérprete: Hilda Lizarazu:  La canción habla del mundo en el cual ese bebé esta inmerso, menciona pajaritos de colores, caramelo y que la madre es su mundo entero, y él el de ella, que su mundo es distinto al nuestro, no existen problemas, y que no importa lo que ocurra en el exterior, él bebé siempre se dormirá profundamente en sus brazos. 

Critica:  No me gustó la interpretación de Hilda Lizarazu, daba la sensación de que la letra y la melodía iban a destiempo. No me gustó el tono en el cual está interpretada la canción, la letra es hermosa, tal vez si tuviese sido mejor si el interprete hubiese sido otro. 

Sin embargo, transmitía mucha tranquilidad, era muy probable que un bebé se duerma sin ningún tipo de inconveniente. 

"No me llore tanto":intérprete: Ricardo Mollo: La letra cuenta de un niño no para de llorar, llora porque no puede dormirse. La persona que lo acuna quiere que duerma, le dice que se duerma que no lo olvidará.

Critica:  La canción me gustó mucho, al igual que Fito Paez, en este caso Ricardo, con una guitarra,  logró crear un clima maravilloso en el cual se puede dormir a un bebé. Esta canción si bien me gustó, también me transmitía cierta tristeza, me imaginé una madre que no vivía con las comodidades necesarias para un bebé, que no estaba tan presente o que tal vez, no tenia el tiempo suficiente para acunar a ese bebé. 

"Ojitos de mi corazón": intérprete: Pedro Aznar: La letra cuenta de una madre que quiere hacer dormir a su bebé, le dice que se duerma ojitos de mi corazón, lo mece, lo mira con afecto y ternura. Era notorio que la madre estaba dedicando su tiempo exclusivamente al bebé. 

Critica: La letra es la que mas me gustó de todas las canciones que oí, la voz de Pedro Aznar me resultó irreconocible en esta canción, pero fue uno de los que mas me gustó, fue una perfecta combinación de letra y melodía. Había tanto amor en cada palabra de la canción, todas estaban en perfecta combinación unas con otras, me emocionó mucho.  

Me imaginé una madre que solo se preocupaba por acunar a su hijo, por tener en ese momento ese contacto, ese vinculo a través de la canción, y que allí no había nadie mas que ambos. 

"Tan libre como quieras ser": intérprete: Miguel Cantilo. Esta letra cuenta cómo la madre le canta a su bebé que está en la panza, a través de esta canción, ella proyecta todo lo que quiere y desea que sea su hijo.

Critica:  Es hermosa la letra, a diferencia de las otras canciones, el bebé todavía no nació, su mamá menciona los deseos que tiene para ese bebé, La melodía y la letra van acompañadas de manera perfecta, a mi en particular me emocionó mucho y me provocó mucha ternura, me imaginé  una mujer sentada en una mecedora cantándole a ese bebito que está por llegar al mundo. 

"Madre santa": intérprete: Lisandro Aristimuño. Esta canción trata de un muchacho que le canta a un bebé y a su mama, pareciera que se cantara a él cuando era bebé. 

Critica: Es distinta a todas las canciones que escuché hasta ahora, ya que me pareció que es un muchacho el que le canta a un bebé y también a su mamá, pareciera que le canta a todo aquello que le hubiese gustado tener y no tuvo. En la letra, aparece un reproche hacia la madre cuando le dice "no me vuelvas a fallar", como si ella en algún momento lo hubiese abandonado, no pareciera que fuese una canción de cuna. 

Esta rogándole a la madre que por favor no se vaya, y que él cuando tenga hijos no los va a abandonar. 

Me imagino un muchacho escribiendo la letra, y volcando en ella todo lo que hubiese querido tener y no tuvo. 

BIBLIOGRAFÍA

http://www.cacuca.org.ar/quienes_somos.html

PERFORMANCE

La historia del "performance art" empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al constructivismo, al dadaísmo y al surrealismo, realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. Entre estos artistas se destaca la participación deRichard Huelsenbeck y Tristan Tzara.

El término performance se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa performance art con el significado de arte en vivo. Está ligado al Happening, al movimiento Fluxus, al Body art y, en general, al arte conceptual. Al principio de los años sesenta, artistas como George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, y Nam June Paik entre otros. El término performance comenzó a ser utilizado especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta, con artistas como Carolee Schneemann, Marina Abramovic y Gilbert & George entre otros.¹

La performance se opone a la pintura o la escultura, ya que no es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística.

La performance tiene parentescos con la acción poética, la intermedia, la poesía visual y otras expresiones del arte contemporáneo. Algunos llaman a tales expresiones (idénticas o muy similares a la performance): live art, action art, intervenciones y manoeuvres.

El sniggling es una forma activista y engañosa de performance art en público, que típicamente se desarrolla de modo que los espectadores no se den cuenta, inicialmente, de que se está ejecutando una performance.

KSENIYA SYMONOVA

Kseniya Symonova , es una artista en animación en arena en Ucrania. Comenzó a dibujar en arena tras el colapso de su negocio como consecuencia de la crisis de crédito y menos de un año más tarde participó en el concurso Ukraine's Got Talent. 

Resulto ganadora del concurso en 2009, construyendo una animación acerca de la vida en la Unión Soviética durante la Gran Guerra Patriótica contra el Tercer Reich en la Segunda Guerra Mundial.

Utilizando solo una caja de luz, arena, una excelente atmosfera musical, ademas de toda su sensibilidad y talento, conmovio enormemente al público. Parece que su presencia sacó a este concurso de su superficialidad acostumbrada.

MARINA ABRAMOVIC

Nació en Belgrado, Yugoslavia el 30 de noviembre de 1946,  artista serbia del performance que empezó su carrera a comienzos de los años 70. Activa durante más de tres décadas, recientemente se ha descrito a sí misma como la "Abuela del arte de la performance".

Marina Abramović.

El trabajo de Abramović explora la relación entre el artista y la audiencia, los límites del cuerpo, y las posibilidades de la mente.

El padre de Abramović abandonó a la familia en 1964.

Abramović estudió en la Academia de Bellas Artes de Belgrado entre 1965 y 1970. Completó sus estudios de posgrado en la Academia de Bellas Artes de Zagreb, Croacia en 1972. Entre 1973 y 1975 enseñó en la Academia de Bellas Artes de Novi Sad, mientras preparaba su primera performance solista.

De 1971 a 1976, se casó con Neša Paripović. En 1976 Abramović dejó Yugoslavia y se fue a Ámsterdam.

Trabajos con Ulay (Uwe Laysiepen)

Después de mudarse a Ámsterdam, Abramović conoció al artista de performance germano-occidental Uwe Laysiepen quien usaba el nombre de Ulay. Como dato anecdótico, ambos nacieron el mismo día (aunque no el mismo año).

Cuando Abramović y Ulay comenzaron su colaboración, los conceptos principales que exploraron fueron el ego y la identidad artística. Este fue el comienzo de una década de trabajo colaborativo. Ambos artistas estaban interesados en las tradiciones de sus patrimonios culturales y el deseo del individuo por los ritos. En consecuencia, decidieron formar un colectivo al que llamaron The Other (El Otro). Se vistieron y se comportaron como gemelos, y crearon una relación de completa confianza.

Idearon una serie de trabajos en que sus cuerpos creaban espacios adicionales para la interacción con la audiencia. En Relation in Space (Relación en el espacio) corrían alrededor de la sala, dos cuerpos como dos planetas, mezclando las energías masculinas y femeninas en un tercer componente al que llamaron "that self" (eso mismo). Relation in Movement (Relación en Movimiento, 1976) tenía a la pareja conduciendo su automóvil dentro de un museo dando 365 vueltas, un líquido negro salía del automóvil formando una especie de escultura, y cada vuelta representaba un año.⁵

Después de esto, idearon Death self (La muerte misma), en la cual ambos unían sus labios e inspiraban el aire expelido por el otro hasta agotar todo el oxígeno disponible. Exactamente 17 min después del inicio de la performance ambos cayeron al piso inconscientes, ya que sus pulmones se llenaron de dióxido de carbono. Esta pieza exploró la idea de la habilidad del individuo de absorber la vida de otra persona, cambiándola y destruyéndola.

En 1988, luego de varios años de tensa relación, Abramović y Ulay decidieron hacer un viaje espiritual el que daría fin a su relación. Ambos caminarían por la Gran Muralla China, comenzando cada uno por los extremos opuestos y encontrándose en el centro. Abramović concibió esta caminata en un sueño, y le proporcionó lo que para ella era un fin apropiado y romántico a una relación llena de misticismo, energía y atracción.

CRÍTICAS

Los videos de Marina Abramovic no fueron de mi agrado , si bien nunca había escuchado hablar ni de ella ni de sus performances, no comparto las maneras que tiene de trabajar o investigar. Es una mujer bastante polémica para mi gusto, me parecieron muy fuertes las pruebas que hace, como por ejemplo la de los cuchillos, o tal vez puede ser que yo no esté acostumbrada a ver esa clase de pruebas. Además, no solo está su vida en riesgo, sino también la de otras personas. 

Sin embargo, el video "the lovers" en el cual se separa de su marido en la muralla china me conmovió muchísimo, me parece una manera distinta de separarse, ya que uno no siempre tiene que separarse a los gritos, llantos como pasa cotidianamente. Me dio la sensación de que todavía se seguían amando, a pesar de los años que llevan separados y de las cosas que pasaron entre ellos.

El video de Symonova me gustó mucho, nunca la había escuchado nombrar ni la había visto, es muy talentosa. En sus creaciones, te  produce distintos sentimientos,  como ternura, emoción, admiración, ademas la música que utilizaba de fondo en el video era la adecuada, te llevaba con la imaginación por distintos lugares.

Me sorprendió que con tan pocos elementos como una caja de luz y arena haga creaciones espectaculares que jamas me hubiese imaginado ver, y que nunca se me hubiesen ocurrido crear.

BIBLIOGRAFÍA

http://es.wikipedia.org/wiki/Performance

http://es.wikipedia.org/wiki/Marina_Abramovi%C4%87

http://es.wikipedia.org/wiki/Kseniya_Symonova

http://www.taringa.net/posts/videos/3943356/Kseniya-Simonova-Biografia-Videos-de-arte-con-arena.html

Mi nombre es Paula, tengo 24 años, vivo con mis padres  y estoy en el 3er año del P.E.I.

RADIOTEATRO EN ARGENTINA

Con la llegada de una nueva  década, la radio introdujo su primera gran innovación, el radioteatro. En 1930, de la mano de Andrés Gonzalez Pulido, nace "chispazos de tradición", quizás el radioteatro con mas éxito que se escucho en el país. Gonzalez Pulido, de origen español, le dio a este nuevo genero algo que le faltaba al teatro adaptado: la temática popular. "Sus obras eran una mezcla de revista radial con música,canciones, diálogos,  pasos de comedia y drama, inspirados en una visión peculiar del folklore e inclusive de la misma realidad nacional.

El radioteatro modifico las costumbres porteñas, aparecieron nuevos géneros como la publicidad radial, las revistas especializadas, que daban a conocer los entretelones de los personajes de la radio, y las compañías teatrales.Como tenían tanto éxito, los directores decidieron sacar a los actores del anonimato del micrófono y comenzaron a presentarlos en los teatros de todo el país. Gonzalez Pulido formo su compañía y la bautizo "chispazos de tradición" y al igual que en la radio, era lo que mas éxito tenia.

La temática de los radioteatros estaba apuntada a las amas de casa, a la familia humilde, las clases altas lo rechazaban.

Durante la década de 1940, la radio alcanzó su punto mas alto, los auspiciantes apoyaban a los programas, se vivía un clima de prosperidad, pero, con el comienzo de una nueva década, comenzó una caída en  picada, que solo se revertiría con la aparición de la FM. El punto de inflexión tuvo una fecha precisa y fue el 17 de octubre de 1951, cuando desde los estudios de LR3 Radio Belgrano Televisión,se realizaba la primera transmisión de televisión de la Argentina. Paradójicamente, en esa oportunidad, el director de cámaras Enrique Telemaco Susini, el creador de la radio, es quien le da una estocada mortal a su invento.

Con la lenta masificación de la televisión, fue decayendo poco a poco la popularidad de la radio. Los actores, las orquestas, los locutores y el publico fueron atraídos por la tentadora pantalla chica. El radio teatro entonces no fue la excepción, y a medida que avanzaba la década de 1950, fueron desapareciendo una a una las emisiones. 

RADIOTEATRO; "SÚPER PONCHO"

La historia se trata de un superhéroe el cual lleva puesto un poncho, él defiende a las personas cuando están en peligro y la gente lo llama pegando un grito, un sapucai.

Esta historia me gustó mucho, porque aparentaba ser una persona normal no un superheroe que defendía a la gente, sale de lo común que puede tener una historia, me resultó gracioso que llevara puesto un poncho porque denota su amor por la cultura gauchesca.

RADIOTEATRO: "LA APLANADORA ESTÁ COMPLETA"

La historia se trata del velatorio de un ex jugador de fútbol, el cual en su funeral recuerda la historia vivida en el club del barrio, sus anécdotas. Ese mismo día, el club de su barrio jugaba un partido por el ascenso. 

La historia era interesante porque se prestaba a distintas interpretaciones,  yo había entendido que el protagonista de esta historia estaba soñando no que había fallecido.

RADIOTEATRO: "UNA VIDA,TODAS LAS VIDAS"

La historia trata de una mujer que está escuchando una novela radial, en esa historia, una mujer se cruza en la calle con un sujeto el cual la invita a subirse a su auto (al parecer, ella lo conoce), ella sube, le indica cómo llegar a su casa y este hombre toma otro camino.

Al principio, parecía una historia de suspenso, ya que no sabia qué era lo que iba a pasar con esa mujer, que aparentemente no tenia manera de salir de ese vehículo, luego, cuando escuché que no era cierto, que era una novela radial sentí gran alivio, fue una sensación rara. No me gustó demasiado, ya que sentí muy real ese episodio.

RADIOTEATRO: "EMBOTELLAMIENTO"

La historia trata de 4 personas que quedan paradas en medio de un embotellamiento en el centro, todos deben llegar a un lugar determinado y tiene al menos 2 hs de demora. Un hombre espera para comer con sus amigos, una mujer que tiene que llegar a un parto, una mujer que debe encontrarse con su novio y una chica que tiene que ir a una entrevista de trabajo.

Esta historia me gustó mucho porque es algo cotidiano, nos pasa a cada uno de nosotros, muchas veces el tráfico nos condiciona, o llegamos tarde a distintos lugares.